Oscars 2017 mejor música: Sting, Timberlake, La La Land y Vaiana

Cuando los Oscars anunciaron las nominaciones de 2017, La La Land obtuvo 14 nominaciones, igualando el récord del gigante de James Cameron titulado Titanic. Dos de esos 14 fueron a la música de Justin Hurwitz en la categoría de Mejor canción original.
Pero Hurwitz estará compitiendo con otros grandes compositores: Alessia Cara, quien grabó una composición de Lin-Manuel Miranda, “How Far I Will Go”, para Vaiana; Sting, que co-escribió “The Empty Chair” con J. Ralph para Jim: La historia de James Foley; Y Justin Timberlake, quien escribió “Can not Stop the Feeling” con los cantantes pop suecos Max Martin y Shellback para Trolls.
La ceremonia de los Oscars se celebrará el 26 de febrero

La La Land – “Audition (The Fools Who Dream)”

La La Land

Hurwitz fue a Harvard con el director de La La Land, Damien Chazelle, y contribuyó con música a su debut como director. Describió el agotador proceso de escribir para La La Land en una entrevista con Rolling Stone en diciembre. “Hice más de 1.900 demos para esta película”, explicó. “Tiramos mucho material, es ‘No, no, no, tal vez, no, no, no, no!’ Finalmente llegamos a ‘no, no … oh, Dios mío, me encanta!’ “. Una vez que consiguió ordenar la música, la pasó a Benj Pasek y Justin Paul para escribir letras. El enfoque parece estar valiendo la pena: La La Land ya fue galardonado con el premio a la mejor banda sonora de los Globos de Oro a principios de enero, y el álbum de la banda sonora alcanzó el segundo lugar en la lista de álbumes de Billboard. Sin duda la principal favorita para los Oscars 2017.

Trolls – “Can’t Stop the Feeling”

Trolls

Justin Timberlake reclutó a uno de los mejores compositores pop de la historia, Max Martin, para ayudar con “Can not Stop the Feeling”. El resultado: un disco brillante que debutó en el No. 1 en el Hot 100. Es Timberlake quinto número 1 como artista en solitario y Martin 22 como compositor. Quizás obtendrán un Oscar para agregar a sus largas carreras plagadas de éxitos.

La La Land – “City of Stars”

La La Land City of Stars

“City os Stars” probablemente tiene ventaja sobre “Audition” en la categoría La La Land: se basa en un riff de piano fácil de rodar, humilde, condensando fácilmente el tema de la película en los parámetros ajustados de una canción pop. También se beneficia de su tratamiento en pantalla, ya que se realiza como un dúo entrañable entre Ryan Gosling y Emma Stone.

Jim: The James Foley Story – “The Empty Chair”

Empty Chair

Sting grabó esta melancólica balada de piano para rendir homenaje a James Foley, un periodista asesinado por ISIS en 2014. “[J. Ralph] me invitó a su estudio en Chinatown y me mostró la película, que me devastó, y luego dijo: ‘¿Escribirías una canción con este escenario musical que he hecho?’ “Sting dijo a Deadline. “Yo dije, ‘no creo que pueda, es demasiado devastador'”. Pero la metáfora central de la canción llegó a él más tarde esa noche después de que mostró la película a su esposa. “La di a Josh al día siguiente”, recordó Sting. “Él dijo, ‘Se supone que debes hacer esto parecer difícil'”. Un duro rival para La La Land en los Oscars 2017.

Vaiana – “How Far I’ll Go”

Vaiana

“How Far I Will Go” une a dos jóvenes talentos probados: Lin-Manuel Miranda, quien creó el exitoso musical Hamilton, y Alessia Cara, que sigue lanzando singles populares desde que debutó con “Here” en 2015. , “Scars to Your Beautiful”, está asentada en el número 13 en el Hot 100. Cara lleva su frescura habitual a “How Far I Will Go”, subiendo a las líneas de Miranda para enfatizar la importancia de escoger la aventura sobre la inercia.
Dentro de poco podremos conocer cual de estas canciones se hace con más premios en los Oscars 2017. ¿Qué apostáis vosotros?


Maurice Jarre: el mejor compositor de música de cine

Maurice Jarre fue un compositor y director francés, uno de los gigantes de la música de cine del siglo XX. Un creador de temas grandiosos, no solo escribiendo para orquestas convencionales sino también experimentando con sonidos electrónicos más adelante en su carrera.
Aunque compuso varias obras de concierto, Maurice Jarre es más conocido por sus partituras cinematográficas, especialmente por sus colaboraciones con el director de cine David Lean. Jarre compuso las partituras de todas las películas de Lean de Lawrence de Arabia (1962). Las colaboraciones notables para otros directores incluyen: The Train (1964), Mohammad, Messenger of God (1976), Lion of the Desert (1981), Witness (1985) and Ghost (1990).

Entrevista a Maurice

Jarre fue galardonado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Tres de sus composiciones pasaron un total de 42 semanas en la lista de singles del Reino Unido; El éxito más grande fue “Somewhere My Love” de los Mike Sammes Singers, que alcanzó el número 14 en 1966 y pasó 38 semanas en la lista.
Maurice Jarre fue nominado a nueve premios de la Academia, ganando tres en la categoría de Mejor Partitura Original por Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) y A Passage to India (1984), todos dirigidos por David Lean. También ganó cuatro Globos de Oro, dos premios BAFTA y un premio Grammy.

Composiciones para el cine

Lawrence de Arabia

En 1961 la carrera musical de Jarre experimentó un cambio importante cuando el productor de cine británico Sam Spiegel le pidió que escribiera la música para la épica Lawrence de Arabia, dirigida por David Lean.
Con esta película Murice Jarre ganó su primer premio de la Academia y pasó a componer las bandas sonoras a todas las películas posteriores de Lean.
Él siguió con el tren (1964) y el Grand Prix (1966), ambos para el director John Frankenheimer, y en medio tuvo otro gran éxito en el doctor Zhivago de David Lean, que incluyó la melodía lírica “tema de Lara” (más tarde la melodía para la canción “Somewhere My Love”), y que le valió su segundo Oscar.
Trabajó con Alfred Hitchcock en Topaz (1969); aunque su experiencia con Hitchcock no fue muy buena.
Su partitura para Ryan’s Daughter de David Lean (1970), ambientada en Irlanda, evita completamente los estilos de música tradicional irlandesa, debido a las preferencias de Lean. La canción “It was a Good Time”, de Ryan’s Daughter, pasó a ser grabada por estrellas musicales como Liza Minnelli, que la utilizó en su crítica de televisión Liza con un Z, así como en otros durante la década de 1970.
Fue nominado otra vez para un premio de la Academia por El Mensajero en 1976 para el director y productor Moustapha Akkad. Con el club de los poetas muertos (1989) ganó un premio británico de la academia.
En los años setenta y ochenta, Jarre volvió su mano a la ciencia ficción, con partituras para The Island in the Top of the World (1974), Dreamscape (1984), Enemy Mine (1985) y Mad Max Beyond Thunderdome (1985).
En 1990 Jarre fue nuevamente nominado para un Premio de la Academia con historia de amor Ghost. Su música para la escena final de la película se basa en “Unchained Melody” compuesta por el compositor de películas Alex North.
Otras películas para las que proporcionó la música incluyen A Walk in the Clouds (1995), para la que escribió la partitura y todas las canciones, incluyendo la romántica “Mariachi Serenade”. También a su crédito es el tema de amor apasionado de Fatal Attraction (1987), y los paisajes sonoros electrónicos cambiantes de After Dark, My Sweet (1990). Fue muy respetado por otros compositores, incluyendo a John Williams.
La obra televisiva de Maurice Jarre incluye la partitura de la miniserie Jesús de Nazaret (1977), dirigida por Franco Zeffirelli y Shōgun (1980).
Jarre creó su última película en 2001, una película de televisión sobre el Holocausto titulado Levantamiento.

Estilo de la música

Maurice Jarre

Jarre escribió principalmente para orquestas, pero comenzó a favorecer la música sintetizada en los años ochenta. Jarre señaló que la composición electrónica era en realidad más laboriosa, más lenta y costosa de producir que una partitura orquestal.
Este ha sido mi pequeño homenaje a Maurice Jarre, uno de los compositores de música de cine más grandes de la historia.


Las 5 mejores bandas sonoras de la historia del cine

Como ya sabréis por entradas anteriores, la música en el cine es uno de mis temas favoritos. Por eso, hoy os traigo, las que, para mí, son las cinco mejores bandas sonoras de la historia del cine.
Ha sido muy difícil elaborar esta lista porque había muchas candidatas, pero al final esta es la lista que ha salido. ¡Aquí van las mejores bandas sonoras de la historia del cine para mí!

Las 5 mejores bandas sonoras de la historia del cine

El Mago de Oz

Mago de Oz

Compositor: Herbert Stothart. Canciones de Harold Arlen / EY Harburg (1939)
Las bandas sonoras de cine son un campo muy amplio, que abarca desde las partituras orquestales clásicas hasta compilaciones de jukebox pop, voz hablada y efectos sonoros. Por lo tanto, mi número uno es una obra maestra, que ganó los a mejor banda sonora original (Herbert Stothart) y mejor canción original (Arlen y Harburg), por lo que se merece liderar esta lista de las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
La leyenda dice que los ejecutivos de los estudios querían eliminar “Over the rainbow” de Judy Garland porque arrastraba la abrumadora apertura de Kansas. Ciertamente una repetición de la canción fue recortada del corte final, pero ‘Rainbow’ sobrevivió para convertirse en uno de los himnos más memorables del siglo.
Los primeros fans de la banda sonora tuvieron que conformarse con un disco Judy Garland de 78 rpm y un Decca LP crujiente que incluía solo las canciones claves, pero los compradores de hoy pueden disfrutar de todos los originales remasterizados junto a tomas como la canción de Jitterbug.

Psicosis

Psicosis

Compositor: Bernard Herrmann (1959)
No es la partitura más fácil del compositor Bernard Herrmann, cuya carrera va desde Ciudadano Kane hasta Taxi Driver, con colaboraciones clave de Hitchcock, como Vértigo. Sin embargo, Psicosis sigue siendo el trabajo más vanguardista de Herrmann, estableciendo un motivo icónico de secuencias de chillidos que se ha convertido en internacionalmente reconocible como el sonido de terror por excelencia.
Hitchcock, que originalmente había planeado interpretar la secuencia de la ducha sin acompañamiento, admitió más tarde que “el 33 por ciento del efecto de Psicosis se debía a la música”, y duplicó el salario del compositor como recompensa. Herrmann comparó cuidadosamente las imágenes en blanco y negro de la obra maestra de Hitch, drenando el “color” de sus orquestaciones, despojando todos excepto los instrumentos de cuerda para crear una pared monocromática de malestar auditivo.
A lo largo de los años, varias versiones de la partitura de Herrmann han luchado por los afectos de los fans, que van desde una grabación realizada por el propio compositor hasta una actuación de la Royal Scottish National Orchestra bajo la batuta de Joel McNeely que algunos consideran definitiva.

La Guerra de las galaxias

Star Wars

Compositor: John Williams (1977)
Se rumorea que Steven Spielberg quería algo sutil para el tiburón en Jaws – quizás un motivo de piano. Fue persuadido a cambiar de opinión y el famoso “chomping” de las cuerdas bajas es uno de los temas más fácilmente reconocibles de todos. En contraste, el momento en que las bicicletas se elevan por el aire en E.T. Derretiría el corazón más frío. La música en la película hasta ese punto es bastante discreta, pero finalmente toma vuelo con una magnífica melodía emocionante en las cuerdas altas.
Tampoco su obra más reciente es menos potente. Una partitura como Harry Potter y el prisionero de Azkaban es una obra maestra. A diferencia de tantos resultados contemporáneos, explora toda la gama de posibilidades orquestales.
Además, logra capturar el ingenio volátil de Catch Me if You Can con texturas nítidas y jazzísticas, mientras que Minority Report transmite una inquietante visión futurista a través de cuerdas disonantes. Y, como todas sus partituras, hay momentos de belleza inesperada.

Pather Panchali

PATHER

Compositor: Ravi Shankar (1955)
Vi por primera vez Pather Panchali cuando era muy joven. La película, es el debut como director de Satyajit Ray. Contiene una gran cantidad de temas, todos se refieren a la familia, el amor y la redención. Ravi Shankar es el gran exponente de la música clásica india, fue capaz de jugar de muchas maneras diferentes, incorporando miles de cambios de humor a la película.
Al parecer Ravi Shankar creó la música en 11 horas seguidas, en una sesión, porque estaba en medio de un apretado calendario de giras. No es de extrañar que no pudiera terminarlo todo, lo que significa que parte de la música fue escrita por Subrata Mitra, el director de fotografía de Satyajit Ray.
Aunque Pather Panchali se hizo en los años cincuenta, es una historia atemporal. La forma en que Shankar se acercó a la música de Pather Panchali influyó definitivamente en la banda sonora que acabo de terminar para una película llamada The Namesake, que trata sobre una familia bengalí.

La naranja mecánica

La Naranja Mecánica

Compositor: Wendy Carlos (1971)
Wendy Carlos llegó a la fama a finales de los sesenta con Switched-On Bach, un éxito premiado con un Grammy. Después, el director Stanley Kubrick contrató a Carlos para proporcionar un acompañamiento futurista para La Naranja mecánica, adaptada de la controversial novela de Anthony Burgess sobre los adolescentes tearaway.
El resultado fue una banda sonora que definió la época y que puso a Ludwig van Beethoven y Henry Purcell a través de la picadora electrónica, convirtiendo a una generación de jóvenes rebeldes en historiadores de la música retorcida. El uso temprano de un vocoder en una adaptación de la Novena de Beethoven todavía resuena a través de la cultura electro-pop.
Para mí, estas son las mejores bandas sonoras de la historia del cine, ¿qué opináis vosotros? Espero vuestros comentarios.