Maurice Jarre: el mejor compositor de música de cine

Maurice Jarre fue un compositor y director francés, uno de los gigantes de la música de cine del siglo XX. Un creador de temas grandiosos, no solo escribiendo para orquestas convencionales sino también experimentando con sonidos electrónicos más adelante en su carrera.
Aunque compuso varias obras de concierto, Maurice Jarre es más conocido por sus partituras cinematográficas, especialmente por sus colaboraciones con el director de cine David Lean. Jarre compuso las partituras de todas las películas de Lean de Lawrence de Arabia (1962). Las colaboraciones notables para otros directores incluyen: The Train (1964), Mohammad, Messenger of God (1976), Lion of the Desert (1981), Witness (1985) and Ghost (1990).

Entrevista a Maurice

Jarre fue galardonado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Tres de sus composiciones pasaron un total de 42 semanas en la lista de singles del Reino Unido; El éxito más grande fue “Somewhere My Love” de los Mike Sammes Singers, que alcanzó el número 14 en 1966 y pasó 38 semanas en la lista.
Maurice Jarre fue nominado a nueve premios de la Academia, ganando tres en la categoría de Mejor Partitura Original por Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) y A Passage to India (1984), todos dirigidos por David Lean. También ganó cuatro Globos de Oro, dos premios BAFTA y un premio Grammy.

Composiciones para el cine

Lawrence de Arabia

En 1961 la carrera musical de Jarre experimentó un cambio importante cuando el productor de cine británico Sam Spiegel le pidió que escribiera la música para la épica Lawrence de Arabia, dirigida por David Lean.
Con esta película Murice Jarre ganó su primer premio de la Academia y pasó a componer las bandas sonoras a todas las películas posteriores de Lean.
Él siguió con el tren (1964) y el Grand Prix (1966), ambos para el director John Frankenheimer, y en medio tuvo otro gran éxito en el doctor Zhivago de David Lean, que incluyó la melodía lírica “tema de Lara” (más tarde la melodía para la canción “Somewhere My Love”), y que le valió su segundo Oscar.
Trabajó con Alfred Hitchcock en Topaz (1969); aunque su experiencia con Hitchcock no fue muy buena.
Su partitura para Ryan’s Daughter de David Lean (1970), ambientada en Irlanda, evita completamente los estilos de música tradicional irlandesa, debido a las preferencias de Lean. La canción “It was a Good Time”, de Ryan’s Daughter, pasó a ser grabada por estrellas musicales como Liza Minnelli, que la utilizó en su crítica de televisión Liza con un Z, así como en otros durante la década de 1970.
Fue nominado otra vez para un premio de la Academia por El Mensajero en 1976 para el director y productor Moustapha Akkad. Con el club de los poetas muertos (1989) ganó un premio británico de la academia.
En los años setenta y ochenta, Jarre volvió su mano a la ciencia ficción, con partituras para The Island in the Top of the World (1974), Dreamscape (1984), Enemy Mine (1985) y Mad Max Beyond Thunderdome (1985).
En 1990 Jarre fue nuevamente nominado para un Premio de la Academia con historia de amor Ghost. Su música para la escena final de la película se basa en “Unchained Melody” compuesta por el compositor de películas Alex North.
Otras películas para las que proporcionó la música incluyen A Walk in the Clouds (1995), para la que escribió la partitura y todas las canciones, incluyendo la romántica “Mariachi Serenade”. También a su crédito es el tema de amor apasionado de Fatal Attraction (1987), y los paisajes sonoros electrónicos cambiantes de After Dark, My Sweet (1990). Fue muy respetado por otros compositores, incluyendo a John Williams.
La obra televisiva de Maurice Jarre incluye la partitura de la miniserie Jesús de Nazaret (1977), dirigida por Franco Zeffirelli y Shōgun (1980).
Jarre creó su última película en 2001, una película de televisión sobre el Holocausto titulado Levantamiento.

Estilo de la música

Maurice Jarre

Jarre escribió principalmente para orquestas, pero comenzó a favorecer la música sintetizada en los años ochenta. Jarre señaló que la composición electrónica era en realidad más laboriosa, más lenta y costosa de producir que una partitura orquestal.
Este ha sido mi pequeño homenaje a Maurice Jarre, uno de los compositores de música de cine más grandes de la historia.


Poniendo en contexto la música: el origen del Music Hall

Los orígenes del Music Hall

Antiguo Music Hall

El Music Hall se remonta a las tabernas y cafeterías del siglo XVIII en Londres, donde los hombres se reunían para comer, beber y hacer negocios. Los intérpretes cantaban canciones mientras el público comía, bebía y se unía a los cantos. Hacia 1830 las tabernas tenían cuartos dedicados a los clubs musicales.

Salas de canciones y cenas

En 1830 abrieron los primeros locales de canciones y cenas. Se servía comida caliente y entretenimiento hasta las primeras horas de la mañana.
Lugares como The Coal Hole, de la Strand en Londres pronto desarrollaron una reputación increíble. En la sala de Canciones y Cenas de Evans en Covent Garden se pagaba a los cantantes 1 libra por semana y bebida gratis. La estrella de la canción de Evans era Sam Cowell
Sam Cowell fue criado en América, pero llegó a Gran Bretaña en 1840, donde trabajó como actor en Escocia y luego en Londres. Después de unos cuantos años de duro trabajo en el teatro, Cowell comenzó a moverse en las canciones de comedia en las salas de música.
Las tabernas, los salones y las salas de la cena fueron lugares ruidosos y difíciles para los cantantes. El público charlaba a lo largo de los actos y podía ser muy indisciplinado a menudo arrojando cosas a los artistas – botellas, botas viejas, incluso un gato muerto.
En algunas salas, las botellas llevadas por los camareros estaban encadenadas a las bandejas y la orquesta estaba protegida de los misiles por rejillas de acero.
Mientras que a las mujeres de la clase media no se les permitía entrar en las salas de canción, las mujeres de la clase trabajadora iban a las tabernas. En los primeros días solían acompañar a sus maridos y traer consigo a sus hijos e incluso a los bebés. Charles Dickens lo denunció en alguno de sus artículos y escritos.

La Taberna The Green Gate

La taberna The Green Gate en la ciudad de Londres era una clase de teatro/pub Victoriano. Muchso de estos lugares se centraban en ser el entretenimiento para una clase u otra, nunca se mezclaba la procedencia del público.

The Borough Music Hall

El Borough Music Hall fue construido en Union Street, Southwark antes de 1850. En sus primeros años se conocía como Salmon Concert Room o Public House, el Alexandra Music Hall y el Raglan Music Hall. Se quemó en 1871, fue reconstruido en 1872, quemado de nuevo en 1883, y fue reconstruido de nuevo en 1887.
En este tipo de lugar más pequeño la audiencia podría estar muy cerca de los intérpretes. Esto ayudó a mantener una intimidad entre los visitantes regulares y los artistas.
No es una casualidad que este lugar se quemara tantas veces, las regulaciones de fuego de la época eran relajadas. La audiencia podía sentarse en las mesas, donde podían comer, beber y fumar mientras disfrutaban del entretenimiento.

The Eagle

The Eagle, en City Road, Londres, era una taberna de East End en la esquina de City Road y Shepherdess Walk que presentaba entretenimiento musical regular.
Incluso existe un poema infantil en el que un padre gasta su salario semanal en los music halls y luego tener que empeñar su comadreja para recaudar dinero adicional. La “comadreja” se piensa que se refiere a un equipo en la industria de la costura. La confección fue una de las principales ocupaciones en el East End de Londres.
The Eagle fue uno de los primeros Music Hall. Marie Lloyd, que se convertiría en una de las mayores estrellas de salas de música, apareció allí en 1885, a la edad de 14 años.

Music Hall

Los primeros Music Hall

The Canterbury Hall

El Sr. Charles Morton abrió el primer Music Hall construido a propósito, The Canterbury Hall, en 1852. Cabían 700 personas. El público estaba sentado en mesas y se servía comida y bebida durante toda la actuación, que tenía lugar en una plataforma en un extremo de la sala, bajo la supervisión del presidente, el vocalista John Caulfield.
La entrada valía seis peniques y la estrella era Sam Cowell. Tan grande fue el éxito de Cowell que Morton tuvo que construir una sala más grande en el mismo sitio. La sala más ornamentada se abrió en 1856 con candelabros, balcón y exposición de arte. Cabían 1.500 personas. La entrada era de seis peniques en platea y nueve peniques en la galería.

Jueves de las señoras

Morton alentó a las mujeres a ir su sala de música, creyendo que tendría una influencia civilizadora en los hombres. Presentó los jueves de las señoras, donde las mujeres podían acompañar a un caballero a la sala.
Sin embargo, los caballeros no necesariamente llevaban a sus esposas para pasar la noche. Las prostitutas iban de un lado a otro de los pasillos del auditorio alabando a los clientes, y las salas tenían una vulgar reputación.

Nuevos Music Hall

Inspirado por el éxito del Canterbury, las salas de música se abrieron por todo Londres. Estas salas tempranas incluyen el Oxford en la esquina de Oxford Street y Tottenham Court Road. En 1875 había 375 salas de música en el Gran Londres, lo que significaba que se requerían muchos más artistas.
A lo largo de la década de 1860 se hizo más común que las mujeres actuaran en las salas. Actuar era una forma de escape e independencia para las mujeres de la clase trabajadora. Muchas mujeres lograron, si no el estrellato, una vida decente en estas salas.
El canto y la canción cómica permanecieron en el corazón de las salas de música, pero poco a poco los actos aumentaron en diversidad. Se desarrollaron todo tipo de actos de especialidad ingeniosos y extraños.
Así fue como surgió el Music Hall, que posteriormente se extendió a todo el mundo y ha llegado a convertirse en lo que conocemos hoy. Aunque desgraciadamente, esta no es su época de más fama.


Las 5 mejores bandas sonoras de la historia del cine

Como ya sabréis por entradas anteriores, la música en el cine es uno de mis temas favoritos. Por eso, hoy os traigo, las que, para mí, son las cinco mejores bandas sonoras de la historia del cine.
Ha sido muy difícil elaborar esta lista porque había muchas candidatas, pero al final esta es la lista que ha salido. ¡Aquí van las mejores bandas sonoras de la historia del cine para mí!

Las 5 mejores bandas sonoras de la historia del cine

El Mago de Oz

Mago de Oz

Compositor: Herbert Stothart. Canciones de Harold Arlen / EY Harburg (1939)
Las bandas sonoras de cine son un campo muy amplio, que abarca desde las partituras orquestales clásicas hasta compilaciones de jukebox pop, voz hablada y efectos sonoros. Por lo tanto, mi número uno es una obra maestra, que ganó los a mejor banda sonora original (Herbert Stothart) y mejor canción original (Arlen y Harburg), por lo que se merece liderar esta lista de las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
La leyenda dice que los ejecutivos de los estudios querían eliminar “Over the rainbow” de Judy Garland porque arrastraba la abrumadora apertura de Kansas. Ciertamente una repetición de la canción fue recortada del corte final, pero ‘Rainbow’ sobrevivió para convertirse en uno de los himnos más memorables del siglo.
Los primeros fans de la banda sonora tuvieron que conformarse con un disco Judy Garland de 78 rpm y un Decca LP crujiente que incluía solo las canciones claves, pero los compradores de hoy pueden disfrutar de todos los originales remasterizados junto a tomas como la canción de Jitterbug.

Psicosis

Psicosis

Compositor: Bernard Herrmann (1959)
No es la partitura más fácil del compositor Bernard Herrmann, cuya carrera va desde Ciudadano Kane hasta Taxi Driver, con colaboraciones clave de Hitchcock, como Vértigo. Sin embargo, Psicosis sigue siendo el trabajo más vanguardista de Herrmann, estableciendo un motivo icónico de secuencias de chillidos que se ha convertido en internacionalmente reconocible como el sonido de terror por excelencia.
Hitchcock, que originalmente había planeado interpretar la secuencia de la ducha sin acompañamiento, admitió más tarde que “el 33 por ciento del efecto de Psicosis se debía a la música”, y duplicó el salario del compositor como recompensa. Herrmann comparó cuidadosamente las imágenes en blanco y negro de la obra maestra de Hitch, drenando el “color” de sus orquestaciones, despojando todos excepto los instrumentos de cuerda para crear una pared monocromática de malestar auditivo.
A lo largo de los años, varias versiones de la partitura de Herrmann han luchado por los afectos de los fans, que van desde una grabación realizada por el propio compositor hasta una actuación de la Royal Scottish National Orchestra bajo la batuta de Joel McNeely que algunos consideran definitiva.

La Guerra de las galaxias

Star Wars

Compositor: John Williams (1977)
Se rumorea que Steven Spielberg quería algo sutil para el tiburón en Jaws – quizás un motivo de piano. Fue persuadido a cambiar de opinión y el famoso “chomping” de las cuerdas bajas es uno de los temas más fácilmente reconocibles de todos. En contraste, el momento en que las bicicletas se elevan por el aire en E.T. Derretiría el corazón más frío. La música en la película hasta ese punto es bastante discreta, pero finalmente toma vuelo con una magnífica melodía emocionante en las cuerdas altas.
Tampoco su obra más reciente es menos potente. Una partitura como Harry Potter y el prisionero de Azkaban es una obra maestra. A diferencia de tantos resultados contemporáneos, explora toda la gama de posibilidades orquestales.
Además, logra capturar el ingenio volátil de Catch Me if You Can con texturas nítidas y jazzísticas, mientras que Minority Report transmite una inquietante visión futurista a través de cuerdas disonantes. Y, como todas sus partituras, hay momentos de belleza inesperada.

Pather Panchali

PATHER

Compositor: Ravi Shankar (1955)
Vi por primera vez Pather Panchali cuando era muy joven. La película, es el debut como director de Satyajit Ray. Contiene una gran cantidad de temas, todos se refieren a la familia, el amor y la redención. Ravi Shankar es el gran exponente de la música clásica india, fue capaz de jugar de muchas maneras diferentes, incorporando miles de cambios de humor a la película.
Al parecer Ravi Shankar creó la música en 11 horas seguidas, en una sesión, porque estaba en medio de un apretado calendario de giras. No es de extrañar que no pudiera terminarlo todo, lo que significa que parte de la música fue escrita por Subrata Mitra, el director de fotografía de Satyajit Ray.
Aunque Pather Panchali se hizo en los años cincuenta, es una historia atemporal. La forma en que Shankar se acercó a la música de Pather Panchali influyó definitivamente en la banda sonora que acabo de terminar para una película llamada The Namesake, que trata sobre una familia bengalí.

La naranja mecánica

La Naranja Mecánica

Compositor: Wendy Carlos (1971)
Wendy Carlos llegó a la fama a finales de los sesenta con Switched-On Bach, un éxito premiado con un Grammy. Después, el director Stanley Kubrick contrató a Carlos para proporcionar un acompañamiento futurista para La Naranja mecánica, adaptada de la controversial novela de Anthony Burgess sobre los adolescentes tearaway.
El resultado fue una banda sonora que definió la época y que puso a Ludwig van Beethoven y Henry Purcell a través de la picadora electrónica, convirtiendo a una generación de jóvenes rebeldes en historiadores de la música retorcida. El uso temprano de un vocoder en una adaptación de la Novena de Beethoven todavía resuena a través de la cultura electro-pop.
Para mí, estas son las mejores bandas sonoras de la historia del cine, ¿qué opináis vosotros? Espero vuestros comentarios.